domingo, 21 de octubre de 2012

La obra de Arte en la época de la reproductibilidad técnica = Walter Benjamin


Walter benjamín en su libro aborda el tema sobre la reproducción técnica de la obra de arte y como se ha colocado en la historia en una forma cambiante pero de forma progresiva,  y la manera en que interactúa con las “masas” y su desarrollo en  un sistema consumista, abordando así la función del arte en la sociedad.
Al comienzo menciona como es que la obra de arte se realiza como ejercicio artístico para difundir la obra, y se copian para poder conseguir  ganancias de estos, tocando el tema del  comercio con las obras de arte utilizando diversos métodos de reproducción que hace tiempo se utilizaban con este fin,  técnicas como el dibujo, la imprenta o la xilografía. Creo que la imagen ha tenido cierta desmaterialización volviéndose un objeto de consumo que va perdiendo su esencia  irrepetible volviéndola un producto que se genera en gran cantidad, como el tocayo menciona, se va desgastando el “aura” esto me hace recordar el arte pop pues la intención de este era reproducir la imagen y así hacer que esta pierda su intencionalidad. Noto  que la obra de arte va teniendo estos cambios a mediado que pasa el tiempo, por ejemplo como menciona benjamín, a medida que las artes se emancipan del regazo ritual, aumenta su exposición del producto, no es lo mismo una pintura que un estatua de algún dios que se encuentre en un templo, esto leda cierto reservo a la obra, pero actualmente no se tiene tan presente este resguardo de imágenes de la obra.
Me parece interesante como es que la imagen se vuelve autentica con el paso del tiempo, por ejemplo, los dioses de barro que se encuentran en el museo de antropología, con el tiempo van adquiriendo esta autenticidad, volviéndose objetos que se pueden apreciar en cualquier momento no solo en el museo, sino en los medios masivos tales como el Internet, libros o por televisión, aunque esto desgasta su aura que en algún momento llego a tener.

miércoles, 10 de octubre de 2012

Tecnicas antiguas de impresion fotografica

           
                                                   
                                                        Daguerrotipo

El daguerrotipo es un proceso por el cual se obtiene una imagen en positivo a partir de una placa de cobre recubierta de yoduro de plata. Tras ser expuesta a la luz, la imagen latente se revelaba con vapores de mercurio, que daba como resultado una imagen finamente detallada con una superficie delicada que había de protegerse de la abrasión con un cristal y sellarse para evitar que se ennegreciera al entrar en contacto con el aire.

El daguerrotipo fue el primer proceso fotográfico de aplicación práctica, presentado por François Arago en la Academia de Ciencias de París el 19 de agosto de 1839. Este procedimiento, que fue uno de los más importantes hitos de la historia de la fotografía técnica, fue un perfeccionamiento de los experimentos emprendidos por Nicéphore Niépce, a quien Louis Jacques Mandé Daguerre se unió en diciembre de 1829.

Inicialmente, el proceso de Daguerre no era excesivamente sensible a la luz, y el tiempo de exposición podía llegar a ser de hasta 30 minutos, pero tras los considerables avances logrados en Austria, Inglaterra y Estados Unidos, los tiempos de exposición se redujeron, y a comienzos de la década de 1840 la mayor parte de las capitales y grandes ciudades europeas tenían por lo menos un estudio de retratos y los fotógrafos ambulantes recorrían las ciudades más pequeñas.
Para que os hagáis una idea de su funcionamiento, el daguerrotipo era una imágen positiva única que también conllevaba un problema técnico ya que dependiendo de donde se situase el espectador, así variaba su visión. Para Daguerre, además, su invento presentaba otros incovenientes. Por un lado la fragilidad e inestabilidad de los soportes; la incapacidad para captar adecuadamente el movimiento; el violento contraste entre luces y sombras; y el hecho de que la realidad tuviese que captarse en blanco y negro.
También se tuvo en cuenta la presentación. Es decir, la fotografía quedaba fijada en un papel y por aquella época, ese material era considerado poco noble por lo que se empezó a proyectar en otros soportes como vídrio y cobre, pero la imágen se desvanecía con el paso del tiempo por tanto daba esa sensación de fragilidad e inestabilidad que comentábamos antes.
Uno de los principales inconvenientes del procedimiento era que cada imagen era única, a diferencia del calotipo de William Henry Fox Talbot, con el que podían realizarse multitud de copias positivas partiendo de una imagen negativa inicial. A mediados de la década de 1850 el daguerrotipo estaba casi obsoleto, pues el proceso del colodión húmedo sobre placa de cristal combinaba la finura de detalle del daguerrotipo con la facilidad de reproducción del calotipo.  http://www.youtube.com/watch?v=gpUsZ8IRjFc&feature=player_embedded#!.


 el taller del artista, Louis Daguerre, 1837

                                                  Calotipo

El calotipo era un procedimiento fotográfico que consistía en utilizar un papel negativo a partir del cual podía obtener un número ilimitado de copias.

El 8 de febrero de 1841, Talbot presentó en Westminster una solicitud de patente para su procedimiento mejorado. Se trata un papel con nitrato de plata y yoduro de potasio. Inmediatamente antes de exponerlo a la luz, se vuelve a sensibilizar este papel con una solución de nitrato de plata y de ácido gálico. Después de la exposición a la luz (entre uno y cinco minutos), se forma una imagen visible apenas. El negativo, una vez seco, se revela con nitrato de plata y ácido gálico y se fija con hiposulfito. Luego el papel se vuelve transparente mediante un baño de cera derretida. Con este "negativo" se saca un "positivo" por contacto sobre un papel idéntico, preferiblemente papel salado, sensibilizado con nitrato de plata.

Con este procedimiento se resolvía el paso del negativo al positivo, que implicaba la posibilidad de obtener de un solo negativo cuantas copias se quisiesen. Por aquel entonces, Talbot no supo medir la importancia de su método, porque sólo buscaba una imagen positiva única. Lo bautizó con el nombre de calotype (del griego "kalos", bello)

El calotipo no tuvo mucho éxito al principio, ya que la nitidez del daguerrotipo era preferida por el público, pero eso no le quitó adeptos. Pronto el tiempo de exposición pasaría de 30 minutos a 30 segundos.

Así pues, si bien Talbot no consiguió pasar a la historia como el padre de la fotografía, sí lo hizo como inventor del proceso negativo-positivo, que es el que finalmente llegaría hasta nuestros días y que, en definitiva, una vez perfeccionado convenientemente, supuso la base de la fotografía contemporánea.
arboles-positivo.jpgarboles-negativo.jpg
Calotipo positivo y negativo de Trees reflected in water, likely at Lacock Abbey
realizado por Talbot hacia 1840.

   Cianotipa

La emulsión de la Cianotipia fue inventada por Sir John Herschel en 1842.
A partir de 1880 la Cianotipia se utilizó para la reproducción de dibujos de arquitectura e ingeniería.

De su mezcla resulta una solución acuosa fotosensible, que se utiliza para recubrir un material(normalmente papel). Una imagen positiva se produce exponiéndola a una fuente de luz ultravioleta (como la luz solar) con un negativo. La luz ultravioleta redice el hierro(III) a hierro(II). A esto le sigue una reacción compleja del hierro(II) con ferricianuro. El resultado es una sustancia insoluble al agua, de color azul  (ferricianuro férrico) conocido como azul Prusia o Turquesa.

En la composición de la emulsión cianotípica están presentes dos sales de hierro: el citrato férrico amoniacal verde y el ferricianuro de potasio. Durante la exposición a los rayos UV, una porción de sales férricas se reducen a sales ferrosas y una parte del férricianuro a ferrocianuro, formando una imagen de color azul pálido sobre blanco (en algunos casos muy difícil de percibir) compuesta de ferrocianuro ferroso. Después de la exposición se procederá a un lavado en agua corriente para eliminar las sales, que al no haber recibido rayos UV, no han sido reducidas. Automáticamente la imagen compuesta de ferrocianuro ferroso adquirirá el característico color azul Prusia de la Cianotipia.
La Cianotipia es quizás una de las técnicas del siglo XIX que mejores resultados da en la realización de fotogramas. Debido a su bajo costo, es también apropiada para trabajar sobre grandes superficies sobre todo si se trata de tela, que aún siendo impermeabilizada, absorbe una gran cantidad de emulsión.
La emulsión cianotipica puede ser aplicada sobre cualquier tipo de superficie siempre y cuando no sea alcalina. Si el soporte es muy poroso, se recomiendo impermeabilizar con gelatina antes de aplicar la emulsión. Si la superficie que se quiere amulsionar contiene partículas de otros metales, es posible que reaccionen con las sales de hierro apareciendo manchas en la imagen final.
File:Anna Atkins algae cyanotype.jpg
  Algas, por Anna Atkins. 1843.

martes, 9 de octubre de 2012

Fotograma


Pruebas de tiempo
                                                                       primera
Diafragma: f5.6
Exposición: 2 seg. en 5 pasos
Total: 10 seg.

 
 segunda

Diafragma: f5.6
Exposición: 0.5 seg. en 5 pasos
Total: 2.5 seg.

Abanico

Diafragma: f5.6
Exposición: 2.5seg

composición 1
Diafragma: f5.6
Exposición: 2.5seg

Composición 2
Diafragma: f5.6
Exposición: 2.8seg

Para este egercicio utilizamos distintos objetos solidos y translúcidos para obtener un registro del paso de la luz. También se uso papel fotográfico b/n Kenford (RC).
 El trabajo realizado me mostró otra formas de tomar fotografía, con un proceso mas complejo a comparación del que estoy acostumbrado, ya que siempre e usado cámaras digitales, y no avía tenido una experiencia así con la foto. Me paresio interesante los procesos que lleban a la creación de la imagen, los contrastes y los tonos de grises que se pueden obtener.


viernes, 28 de septiembre de 2012

Roland Barthes-la cámara lúcida


Barthes desarrolla la idea de la fotografía en un registro de la realidad como un objeto irrepetible. De una forma muy personal, influenciado por la muerte de su madre así concluye la idea de que la fotografía adquiere un valor con el paso del tiempo, pero en su caso esto ocurre también cuando una persona que fue fotografiada muere.
La fotografía repite lo que nunca más podrá repetirse. Nos habla de un sentimiento de nostalgia pero que se recuerda a través de la imagen
También Barthes realiza una comparación entre la fotografía y la pintura, diciendo que la fotografía es vista desde el objetivo a fotografiar, en cambio la fotografía por su parte puede fingir la realidad sin haberla visto. Esto me hizo pensar en cómo la foto tiene una gran diferencia con la pintura y los comentarios que se decían que la fotografía podía llegar suplantar a la pintura y al grabado, me doy cuenta de que no fue así, sino más bien la fotografía se volvió parte de la pintura por el dote que tiene de captar un momento real y utilizarlo como base para la pintura, de igual manera diría que la pintura influencio mucho a la fotografía en su comienzo.
Barthes menciona como nos posicionamos ante una imagen y como nos comportamos al observarla, pues dice que siempre en el fondo la interpretación es privada y personal.
La imagen ha influido y sigue asiéndolo en la sociedad, entre sus sistemas simbólicos y representativos, lo que caracteriza que la sociedad consume imágenes que con el transcurso del tiempo se van considerando cada vez más falsas y menos verídicas.

domingo, 23 de septiembre de 2012

bodegón






se puede notar diferentes tonos de luz en las fotografías, esto le da a cada una diferente expresividad, ya sea por los tonos de la luz o las formas que las sombras toman.

lunes, 17 de septiembre de 2012

fred Ritchin. Después de la fotografía


En la actualidad la era digital ha tomado una postura en donde todos nos encontramos rodeados de la intervención de esta, la encontramos en imágenes, videos y asta en nuestra propia imagen, y a pesar de la importancia y el impacto que esta tiene socialmente se ha vuelto algo cotidiano.
Durante el siglo XIX se decía que la pintura había inspirado a la fotografía, aunque después fue amenazada por esta, lo echo a mano contra lo mecánico. La fotografía tiene una credibilidad que la pintura no, ya que esta se vuelve solo una interpretación, y la fotografía  se le atribuye la cualidad de ser una imagen que representa la realidad, y esta con el paso del tiempo ha sido útil especialmente cuando se busca ofrecer evidencia de una cosa u otra, pero también se ha abusado de esta credibilidad para manipular al público con fines políticos y comerciales, gracias a la manipulación que se ha logrado tener sobre una imagen con ayuda de las nuevas tecnologías, así la foto ha perdido la credibilidad de imagen fiel de la realidad.
En la actualidad de producen y se consumen imágenes, estamos rodeados de estas y día con día nos encontramos expuestos a un sinfín de mensajes los cuales estamos acostumbrados a observar, y así con el trascurso del tiempo se nos ha ido diciendo que es bueno para fotografiar, perdiendo así la imagen real.
 Ritchin menciona en su libro que lo digital son datos que fácilmente pueden ser manipulados, aislados de su origen mientras que lo análogo emana del viento, la madera y los árboles, el mundo de lo tangible. En la actualidad los avances tecnológicos han hecho que se pierdan las cualidades que la fotografía solía tener, ritchin lo menciona de una forma nostálgica como él ha ido notando estos cambios a lo largo del tiempo, y a mi parecer diría que esto si a echo cambios socialmente ya sea parabién o para mal, desde el aspecto trascendental en la tecnología y como esta ha hecho cambios en la forma de percibir el mundo, esto me ase reflexionar en como acciones y hechos que están ya apegados a nuestra vida, están influenciados por toda esta tecnología.